Personnalité fascinante, Rosa Bonheur (1822-1899) est l'artiste des paradoxes. Créatrice hors norme encore trop méconnue, elle fut pourtant la meilleure artiste animalière de son temps et sut imposer, dans ce XIX? siècle très corseté, sa liberté et son indépendance.Sans anthropomorphisme ni sentimentalisme, ses peintures et dessins insufflent la vie aux animaux qu'elle observait inlassablement. Plus que jamais, au XXI? siècle, regarder l'art de Rosa Bonheur nous permet une nouvelle rencontre avec le vivant, et nous aide à mieux habiter le monde.Réalisé à l'occasion du bicentenaire de la naissance de l'artiste, cet ouvrage polyphonique accueille de nombreux spécialistes à la croisée de divers champs disciplinaires afin de donner à voir toute la richesse et la modernité de Rosa Bonheur.
Les mangas rencontrent dans le monde entier un succès considérable qui ne se dément pas. Fruits d'une longue tradition artistique, ils trouvent leur origine dans les peintures anciennes du VII? siècle. Des scènes comiques illustrant paravents et rouleaux peints aux démons peuplant les récits de Mizuki Shigeru, de la manga d'Hokusai à Tezuka Osamu surnommé «le dieu du manga moderne», de la naissance des gekiga dans les années 1950 aux mangas One Piece ou Demon Slayer, c'est toute l'histoire de cette forme d'expression si vivante qu'il nous est donné d'approcher dans sa richesse et sa diversité, des origines à nos jours.
Comment écrire une histoire de la musique qui soit sérieuse tout en étant drôle, complète sans être encyclopédique, accessible aux néophytes comme aux mélomanes plus avertis? La cheffe d'orchestre Mélanie Levy-Thiébaut relève le défi en nous offrant un voyage enthousiaste dans l'histoire de la musique occidentale à travers les artistes qui l'ont édifiée et les grandes oeuvres qui l'ont marquée depuis le Moyen Âge jusqu'à nos jours, du chant grégorien aux oeuvres de Iannis Xenakis, Pierre Boulez ou encore Karlheinz Stockhausen. Chemin faisant, elle nourrit son récit de ses multiples expériences artistiques, d'anecdotes savoureuses et d'une solide connaissance des compositeurs et compositrices.On y croise tout au long des siècles de fortes personnalités aussi fascinantes que celles d'un Mozart ou d'un Berlioz, d'une Hildegarde de Bingen ou encore de Lili Boulanger et Betsy Jolas, toutes et tous soumis au supplice de la création.Le résultat est foisonnant, subjectif, toujours passionnant, jamais exempt de cette pédagogie indispensable à qui veut atteindre à l'ivresse de l'art...
« On ne l'appelait que par son prénom. Elle possédait les atouts d'une comédienne et préférait les longues jupes chatoyantes des Indiennes aux créations des grands couturiers. La verdeur de son langage contrastait avec son apparence extrêmement féminine. Par son rire profond et communicatif, elle extériorisait sa joie ou son acceptation fataliste de la douleur ». Henry Ford, Nelson Rockefeller, André Breton et Paulette Goddard furent ses amis.
Trotski et Nickolas Muray furent ses amants, parmi d'autres... Picasso, Kandinsky, Miró admirèrent son art. Peintre à part entière, Frida Kahlo était mariée au célèbre muraliste Diego Rivera et, au Mexique, on les considérait tous les deux comme des gloires nationales. Près de 70 ans après sa disparition, l'histoire de sa vie reste aussi extraordinaire, aussi bouleversante que sa légende et que son univers pictural.
"Je voulais vivre, aimer, me développer sur le plan artistique, devenir un être nouveau : mais surtout être libre."De cette profession de foi, Romy Schneider fera sa devise, mêlant vie privée et vie professionnelle comme aucune autre, menant son existence tambour battant. Dans cet ouvrage, c'est l'actrice au travail, passionnée et totalement investie que nous découvrons, au travers de photographies de plateau pour certaines inédites, de témoignages des réalisateurs avec lesquels elle a tourné, dont Luchino Visconti, Claude Sautet, Bertrand Tavernier ou Costa-Gavras, et, surtout, au travers de sa voix retranscrite depuis des interviews et des extraits de son journal.
Une toute jeune fille que rien, mais vraiment rien, ne prédisposait à la célébrité. Comment est-elle devenue la chanteuse préférée des Français ? Sa cote dure depuis un demi-siècle.Ce livre relate l'éclosion d'une artiste déroutante, d'un destin qui aurait pu tout autant ne pas s'accomplir. Françoise Hardy a emprunté des voies inhabituelles pour se faire un nom. Ce voyage dans sa vie en recèle un autre, fascinant. Aucun artiste n'a su aussi bien - parfois à son corps défendant - incarner une façon d'être et une modernité dans laquelle nous vivons encore. Armée de sa beauté et d'une élégance innée, Hardy représente mieux que quiconque la génération qui a renvoyé ses aînés dans la coulisse.
Ne restez plus sur votre première impression. L'autrice Sandrine Andrews décrypte et défait les malentendus qui jalonnent l'histoire de l'art. Elle propose des explications accessibles pour éclairer ce que l'on sait de l'art, de manière joyeuse et sans prétention. Vous ne direz jamais plus:«L'art, ce n'est pas pour moi!»
Par une toute nouvelle approche, ce livre présente la photographie sous toutes ses principales formes d'expérience, pour dépeindre les caractéristiques uniques de ce médium accessible et universellement attrayant. Classées chronologiquement, les photographies légendaires sont présentées aux côtés des livres photo et d'expositions importantes qui ont marquées un changement de perspective, de valeurs et d'approche. Présentant des reproductions époustouflantes avec de courts essais et des références clés sur chaque oeuvre signés par David Bate, ce titre est en passe de devenir l'une des références définitives sur le sujet et plaira non seulement aux lecteurs à la recherche d'une introduction, mais aussi également à ceux qui sont plus familiers avec le médium.
Après Les Femmes qui écrivent vivent dangereusement et Les Femmes qui aiment sont dangereuses, Laure Adler revient avec un nouvel et passionnant ouvrage sur les femmes artistes.
Explorant les archétypes et les codes de l'histoire de l'art, elle analyse, à travers leurs oeuvres d'art, le lent basculement des femmes vers l'autonomie artistique et la reconnaissance du travail de création, trop longtemps laissée aux seuls mains et signatures des hommes.
Cet ouvrage dresse le portrait passionnant d'une cinquantaine de ces artistes, depuis la Renaissance avec Artemisia Gentileschi, jusqu'à nos jours avec Yoko Ono, Orlan, Annette Messager, Marina Abramovic, Sophie Calle, en passant par les incontournables Sonia Delaunay, Niki de Saint-Phalle, Berthe Morisot ou Frida Kahlo.
Cette édition augmentée fait la part belle aux tendances les plus actuelles de la scène photographique mondiale, aussi bien techniques, avec la place du numérique à l'ère de la mondialisation et de la pandémie de coronavirus, que sociétales, avec la part belles faite aux femmes photoraphes et aux artistes issus de minorités.
5 grandes parties couvrant l'histoire de la photographie de 1826 à nos jours. 90 époques et mouvements clés de l'histoire de la photographie présentés en détail avec une chronologie complète permettant de situer chaque oeuvre et chaque artiste dans leur contexte. 130 photographies incontournables décryptées grâce à un système de zoom dans l'image, une biographie de l'artiste et une étude approfondie de l'oeuvre.
Du 18 mars au 3 juillet 2022, le musée de Giverny proposera un dialogue inédit entre la peinture de Monet et de Rothko, deux artistes qui ont exploré les frontières de l'abstraction.
Cet ouvrage, illustré de 60 reproductions, donne à voir les troublantes similitudes de leurs oeuvres à près d'un demi-siècle d'écart, mais aussi la fécondité de leurs divergences.
Tandis que Claude Monet cherche à rendre l'immédiateté de ses impressions face à la nature, Mark Rothko plonge le spectateur dans la profondeur des couleurs qu'il superpose et entremêle. Et pourtant, une parenté indéniable se révèle entre leurs univers picturaux. Appuyée par l'analyse d'auteurs de renom, cette confrontation fait apparaître l'oeuvre de deux des plus grands maîtres de la peinture sous un jour nouveau, dans ce qui fait leur originalité même.
«Pendant mes vingt années dans le milieu de la mode, j'ai eu la chance de rencontrer des personnes magiques, qui ont eu sur moi une influence déterminante. Je partage ici ce qu'elles m'ont enseigné en matière de style et d'attitude rock. Car si, sur le chemin de la vérité, la beauté peut séduire, faire le voyage avec style n'a jamais fait de mal à personne.»
Contrairement aux idées reçues, l'artiste contemporain s'inspire volontiers des chefs-d'oeuvre du passé. Avec ce livre, Élisabeth Couturier effectue une passionnante traversée de l'histoire de l'art, repérant dans une oeuvre actuelle une reprise, un clin d'oeil, une citation effectuée vis-à-vis d'un maître ancien. L'artiste d'aujourd'hui continue ainsi à tisser le fil rouge qui relie les créateurs d'une génération à l'autre, et cela donne lieu à des confrontations visuelles inédites et étonnantes.
Avec ses 2500 illustrations choisies parmi les plus extraordinaires chefs-d'oeuvre de tous les temps,ce livre nous fait voyager à travers l'histoire de l'art par le biais des images. Rassemblées dans un musée idéal puisant dans les collections du monde entier, peintures, sculptures, photographies sont observées, décryptées et commentées par les meilleurs spécialistes. Proposant un parcours chronologique de la Préhistoire à nos jours, cet ouvrage unique en son genre est la nouvelle référence en histoire de l'art.
Pour un regard moderne, ce qui distingue Vermeer de ses contemporains, est l'aura de mystère qui se dégage de ses tableaux. Cette qualité poétique, singulière et incontestable, fait précisément l'objet de ce livre. Ainsi que le suggère Daniel Arasse, Vermeer a délibérément construit le mystère de sa peinture.
À travers une analyse rapprochée des oeuvres, de leur structure et de leur contenu, l'auteur montre comment la « scène d'intérieur » devient chez Vermeer une sphère réservée et inaccessible au coeur même du monde privé. C'est cette intimité, dans son impénétrable visibilité, que peint le sphinx de Delft. Notre conception de Vermeer se trouve ainsi renouvelée : on perçoit que la poétique propre de ses oeuvres est inséparable de son ambition de peintre.
Un voyage en images dans l'histoire de la peinture à travers ses chefs-d'oeuvre.
- Chaque oeuvre est accompagnée d'une notice détaillée, d'une biographie de l'artiste et du contexte historique - Des zooms pour comprendre la technique de l'artiste - Plus de 1 000 détails agrandis et commentés.
Pénétrez au coeur de la peinture par le biais des images. Un schéma de navigation et de nombreux outils vous aideront à comprendre la composition de l'oeuvre avant de découvrir ce qui se cache derrière chaque détail. Du Rouleau de Qingming de Zhang Zeduan, à l'Athanor d'Anselm Kiefer, l'auteur propose une sélection originale et représentative de l'histoire de la peinture.
- 20 chorégraphes phares
Ce livre au format accordéon renferme deux oeuvres dos à dos:D'un côté, The Parade, épopée sans paroles portée par des dessins expressifs. Ce classique oublié a été créé peu après la Seconde Guerre mondiale et publié initialement en 1957. The Parade, restauré d'après les dessins originaux, augmenté de planches inédites réinsérées dans la continuité sur les indications de Si Lewen, était et reste à ce jour une oeuvre révolutionnaire, un cri du coeur sur l'éternelle soif de guerre de l'humanité et ses conséquences atroces.Au recto des dessins, L'Odyssée d'un artiste préparée, rédigée et mise en page par Art Spiegelman, comprenant une biographie complète et une mise en perspective dans l'histoire de l'art, fait découvrir au lecteur la vie et l'oeuvre singulières de Si Lewen au fil d'une monographie abondamment illustrée de peintures qui ont jalonné la longue et prolifique carrière d'un artiste mort en 2016. Le peintre que l'on redécouvre a renoncé à un succès annoncé dans le New York d'après-guerre pour s'immerger dans son art plutôt que dans le «monde de l'art». Il a poursuivi un projet formulé dans l'enfance, de disposer ses tableaux les uns à côté des autres pour leur permettre de «parler entre eux», une conception sérielle très en avance sur son temps qui se reflète dans le format exceptionnel de ce livre.
Cet ouvrage ouvre un champ nouveau de l'histoire de la peinture : le détail, vu inopinément ou peu à peu découvert, identifié, isolé, découpé de son ensemble, met en question les catégories de l'histoire de l'art qui semblent avoir été établies « de loin ». En étudiant les différents statuts du détail, Daniel Arasse propose une autre histoire de la peinture : une histoire rapprochée des pratiques du pinceau et du regard.
Alberto Giacometti n'est pas seulement un artiste majeur du XXe siècle:il est aussi l'une de ses personnalités les plus originales. Fruit de recherches nouvelles, cet ouvrage nous introduit dans l'intimité d'un artiste hanté par son oeuvre, toujours poussé en avant par une exigence sans concession.Après une jeunesse passée dans l'atelier de son père en Suisse, puis dans celui du sculpteur Antoine Bourdelle à Paris, le jeune artiste s'affranchit de ses premiers mentors en se tournant vers le cubisme, puis le surréalisme. Malgré la reconnaissance quasi-instantanée de son travail et l'amitié admirative d'André Breton, il se détourne rapidement des objets surréalistes qui l'ont rendu célèbre, pour s'engager dans une échappée solitaire qui le mènera à la marge des courants dominants.Ami des plus grands artistes et intellectuels, il trace son sillon personnel dans l'intimité solitaire de son mythique atelier de Montparnasse. Profondément attaché à la représentation humaine, influencé par les arts archaïques et non occidentaux, il s'éloigne d'une représentation naturaliste, pour adopter une vision synthétique et parfois hallucinée de la figure, chargée d'une puissance mystérieuse.Catherine Grenier nous livre le destin et le parcours singulier d'Alberto Giacometti, de sa vie et de son oeuvre, dans une biographie à lire comme un roman.
Les textes ici rassemblés, publiés dans des journaux et mis en recueil par Pasolini lui-même, témoignent par leur violence d'une démarche provocatrice. L'auteur de Théorème y examine tour à tour le problème de l'avortement, le fascisme, l'antifascisme et surtout la consommation de masse qui conduit à une déshumanisation de la société et à la destruction de l'identité italienne. Pasolini dévoile ainsi, peu de temps avant de mourir assassiné sur une plage d'Ostie, une nouvelle facette de sa personnalité et de son talent inclassables, livrant à ses contemporains sa révolte nostalgique face au monde qui l'entoure.
«Pourquoi écrit-on une pièce? Pourquoi la joue-t-on? Pourquoi va-t-on la voir? Pour le goût qu'ont certains de présenter des fables, et d'autres de les voir; goût qu'il est difficile de définir, d'expliquer et qu'on pourrait appeler au fond la vocation du théâtre.Chez certains, elle consiste à écrire, chez d'autres à écouter, chez d'autres enfin à jouer. C'est l'appel du théâtre.»Publiés à titre posthume, les souvenirs, réflexions et pensées de Louis Jouvet sur le théâtre et le métier de comédien constituent le testament professionnel d'un acteur immense et passionné.
En quête d'une hypothétique origine de l'art comme nombre de ses contemporains, Paul Klee a porté son regard sur la création «des enfants, des fous et des primitifs». L'exposition «Paul Klee. entre-mondes» renoue le dialogue entre des oeuvres réalisées à différentes périodes de sa carrière et un ensemble d'objets et de documents issus de sa collection personnelle.
Quel est le sens caché des Lignes de Nasca ? Pourquoi Les Demoiselles d'Avignon de Picasso ont-elles tant choqué le monde artistique ? Quelle est la signification des peintures japonaises du XIXe siècle ? Quarante et un historiens de l'art, critiques, experts, artistes ou enseignants ont participé à l'élaboration de cet ouvrage unique pour nous aider à mieux comprendre l'évolution de l'art à travers les âges et les continents.
- Plus de 1 600 oeuvres commentées.
- 85 époques et mouvements clés de l'histoire de l'art présentés en détail.
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- Tous les outils indispensables (repères chronologiques, biographies d'artistes, détails agrandis, index détaillé).